Yves Klein, La gran Antropometría azul (ANT 105), 1960
(Pigmento y resina sintética en papel montado sobre lienzo)
(Pigmento y resina sintética en papel montado sobre lienzo)
"El uso del color azul en el arte, en diferentes épocas y culturas diferentes, siempre ha enriquecido la forma de las obras con una carga de gran alcance trascendental, tanto simbólica y conceptual. Sus significados generalmente se han relacionado con un campo semántico específico, el de la espiritualidad. En la antigüedad, por ejemplo, el azul era considerado el color de todos los dioses del cielo, y por lo tanto se utiliza para representar la divinidad. El azul ha sido utilizado en la mayor parte de las pinturas medievales y renacentistas para representar el manto de la Santa María, que pretende ser un color de la pureza y como un medio que conecta el cielo y la tierra, divina y humana. En su ensayo "Della Pittura", Leon Battista Alberti desarrolló una teoría del color, con un código relacionado con los cuatro elementos donde el azul correspondió a la del aire, es decir, la esencia del espíritu.
Esta noción de azul, este color que materializa una idea en el arte, la de una trascendental experiencia para alcanzar un más allá inmaterial y espiritual. ha viajado en el tiempo hasta nuestros días, llegando a artistas como Vasily Kandinsky, Yves Klein, James Turrell, Anish Kapoor...Esta percepción recuerda a la que de hecho ha dado lugar a Klein para investigar, inventar y en última instancia, utilizar el color de azul.
Esta noción de azul, este color que materializa una idea en el arte, la de una trascendental experiencia para alcanzar un más allá inmaterial y espiritual. ha viajado en el tiempo hasta nuestros días, llegando a artistas como Vasily Kandinsky, Yves Klein, James Turrell, Anish Kapoor...Esta percepción recuerda a la que de hecho ha dado lugar a Klein para investigar, inventar y en última instancia, utilizar el color de azul.
En su ensayo "De lo espiritual en el arte", Vasily Kandinsky aborda este color también. Según él, cualquier artista tiene el deber de ser consciente de los efectos producidos por los diferentes colores en el espectador. Por esta razón Kandinsky invitó a hacer ejercicios con el fin de aprender a comprender el verdadero valor intrínseco de cada color. Cuando se trataba de azul, Kandinsky animó a observar cómo este color "desarrolla un movimiento concéntrico (como un caracol se encierra en su concha) y se aleja del observador". El ojo, por lo tanto, necesariamente se sumerge en las profundidades de esta sombra. Una profundidad sin fondo, lo que nos llama la atención en una forma magnética sin punto de llegada. No es una coincidencia que la tensión continua y sin fin en la dirección de la nada también se comparó con la práctica de la meditación Zen.
"El azul es el color típico del cielo" Kandinsky escribe en su ensayo, "si es muy oscuro, entonces le da una idea de la quietud. Si cae en el negro, entonces se adquiere una nota de tristeza, añoranza, se hunde en un drama que no tendrá fin. Si tiende a tonos más claros, que es menos que adecuado, se vuelve indiferente y distante, como un alto cielo. Cuanta más liviano es el azul, menos elocuente, hasta llegar a una quietud silenciosa: el blanco". El artista también compara el azul desde un punto de vista musical: "la luz azul es como una flauta, el azul es como un cello o, cuando se vuelve muy oscuro, en el maravilloso sonido de un bajo; y en su más oscuro y solemne tiene el profundo sonido de un órgano".
