Louise Bourgeois

"No perdono ni olvido.

Es el lema del que se alimenta mi trabajo.

Tiemblo como una hoja

Una mujer no tiene un lugar como artista hasta que prueba, y vuelve a probar, que no se la podrá eliminar."

                               Louise Bourgeois

"El único acceso que tenemos a nuestro inconsciente volcánico y a los motivos profundos de nuestras acciones y reacciones es a través de los choques de nuestros encuentros con personas específicas"

- Louise Bourgeois

                         Louise Bourgeois • Retrato con puños zurcidos

"Una mujer no tiene lugar como artista hasta que prueba una y otra vez que no será eliminada"

- Louise Bourgeois

Louise Bourgeois

Topiary- Amputee (V), 1998

Louise Bourgeois

Topiary- Amputee with Peg Leg  (VI), 1998

De la serie, Topiary: The Art of Improving Nature, 1998


Topiario: El arte de mejorar la naturaleza es una serie de nueve aguafuertes en placas de cobre pulido con punta seca y aguatinta presentado en una caja de color rosa salmón cubierta de seda.

El título es una referencia a los arbustos topiario. El Arte de Mejorar la Naturaleza  desarrolla varios temas característicos del arte de Bourgeois. Arboles y plantas, con resonancias antropomorfas, aparecen en algunas de sus primeras pinturas y dibujos. Ella se ha referido a una planta o un árbol como "un símbolo de una persona”. 

El daño emocional y las estrategias necesarias para la autodefensa y la reparación son las preocupaciones fundamentales de Bourgeois.

Topiary:  Amputee (V)  y Topiary- Amputee with Peg Leg  (VI)  surge de  su estrecha relación con su hermana Henriette, que estaba aquejada de una pierna rígida, obligándola a caminar con un bastón y de las impresiones y tempranos recuerdos de los amputados de la Primera Guerra Mundial. Estos recuerdos, la  "pata de Palo" o motivo de una pierna que falta ha llegado a representarlos en una serie de obras.

Con motivo de su muerte, en 2010, The New York Times resumió su obra diciendo que "comparte un conjunto de temas repetidos, centrados en el cuerpo humano y su necesidad de disciplina y protección en un mundo aterrador"

     
                     Louise bourgeois, Henriette 1998

                     Litografía en color sobre papel

Henriette es una obra de arte profundamente personal, rindiendo homenaje a la hermana de Louise Bourgeois, aquejada de una pierna rígida. Por ello, la pata de palo en la foto es representativa de Henriette, y la marcada composición de azul y rosa es altamente simbólica: en el lenguaje visual de Bourgeois, el azul representa la paz, la meditación y el escape, mientras que el rosa representa la feminidad y la aceptación del yo.

               Louise Bourgeois, Una flor en el bosque, 1998

               De la serie por varios artistas The Geldzahler Portfolio

               Litografía

                       Louise Bourgeois, Merci. Misericordia.

                                 Louise Bourgeois                               

                                 Cabeza en llamas, 2000              

                                      Louise Bourgeois

                                      Les Fleurs, 2009

Bourgeois consideraba cada flor evocadora del cuerpo humano; los tallos y hojas como sustitutos de arterias, venas y órganos. También las asociaba a las líneas invisibles trazadas entre cada miembro de la familia, formando parte de un núcleo familiar.

En Les Fleurs emplea un solo tono de color carmesí para representar estas conexiones. El rojo era un color de particular importancia para Louise Bourgeois y creía que los diferentes tonos debían estar llenos con diversos significantes de la pasión y la fuerza del sentimiento: "El rojo es una afirmación a cualquier precio - pese a quien pese, sin tener en cuenta los peligros en la lucha - de la contradicción, de la agresión. Es simbólico de la intensidad de las emociones involucradas".

Les Fleurs tal vez recuerda la inocencia de la infancia que no está atada por las asociaciones de adultos. Sin embargo aquí la pintura de color rojo sangre que compone cada composición, en oposición a una paleta de colores pastel floral más tradicional, impregnan el trabajo con connotaciones más oscuras.

Les Fleurs habla de su adopción de la flor y las mujeres como símbolos de la vitalidad, el deseo y la sexualidad. Sus dibujos, pintados en un color rojo intenso, ilustran la pasión, la sangre y la creencia feminista en el poder de las mujeres.

             Louise Bourgeois

 "El arte no trata del arte. El arte trata de la vida"

"Un artista puede mostrar cosas que otra gente está aterrorizada de expresar"

"Para ser un artista, tienes que existir en un mundo de silencio"

"Para mí, dibujar es una forma de diario. No puedo evitar hacerlo como una forma de exorcizar o de restañar las lágrimas diarias; los temas son recurrentes, precisos, exactos, auto-incriminativos e inmediatamente me arrepiento de haberlos hecho. A pesar de todo los dejas, porque la verdad es mejor que nada"

"Desbarato los conceptos que me provocan ansiedad, procurándoles una realidad tangible, es exorcismo...Transformo una idea fija, en puntos fijos sobre los que construyo una estructura tangible, tranquilizadora y concreta"

"Todos mis temas están inspirados en mi infancia. Son siempre los mismos traumas, las mismas obsesiones, las que aparecen una y otra vez a lo largo de los años"

"Todo lo que cuenta, todo nuestro propósito, es tratar de entender qué hay en nosotros, examinarnos a nosotros mismos...Todos los días tienes que abandonar tu pasado o aceptarlo, y entonces, si tú no puedes aceptarlo, te conviertes en un escultor"

"No perdono ni olvido.

Es el lema del que se alimenta mi trabajo.

Tiemblo como una hoja.

Una mujer no tiene un lugar como artista hasta que prueba, y vuelve a probar, que no se la podrá eliminar"

"Me llamo Louise Josephine Bourgeois. Nací el 24 de diciembre de 1911. Toda mi obra de los últimos cincuenta años y todos mis temas se inspiran en mi niñez. Mi niñez nunca ha perdido su magia, nunca ha perdido su misterio y nunca ha perdido su drama"

                      Louise Bourgeois, Retrato con puños zurcidos

          Louise Bourgeois

          Untitled, 2005

         Tela

"Un artista puede mostrar cosas que otras personas tienen terror a expresar"

- Louise Bourgeois

"En un momento me sentí acosada por la ansiedad. Pero me deshice del miedo estudiando el cielo, determinando cuándo saldría la luna y dónde aparecería el sol por la mañana"

- Louise Bourgeois

"El arte es una garantía de la cordura"

- Louise Bourgeois

                        Louise Bourgeois, Maman

Louise Bourgeois: La palabra piedad me tranquilizó

                                Louise Bourgeois, Le Mot Pitié m'a Apaisée, 2001

"Como comprenderá me siento muy cómoda con mi obra y me gusta lo que hago. No me asusta en absoluto porque fue así como empecé, me hice artista a partir de la situación familiar. El arte se me presentó en principio como algo muy útil. Es difícil entenderlo en los Estados Unidos. Yo tendría diez, doce años, y estaba completamente dedicada a la escuela. Pero un sábado por la mañana, toda la familia estaba reunida, también estaba mi padre, y mi madre me dijo que teníamos que decidir qué hacer con este asunto del arte.

Mi madre estaba reparando un tapiz muy grande, de unos seis metros por tres. Era un tapiz con uno de esos típicos motivos alegóricos y se necesitaba un dibujante. Monsieur Genault, el dibujante que trabajaba en Gobelin, era una primera figura y no siempre podíamos contar con él cuando lo necesitábamos. No había teléfono para llamarlo. A veces no se podía resolver la situación sin un dibujante. Entonces mi madre me miró y me dijo: “Louise, ya que a ti te gusta dibujar y estás dibujando todo el tiempo, ¿por qué no me ayudas con el dibujo de este tapiz así podemos continuar? Podríamos resolver el problema si nos ayudas.” Y fue así que hice el dibujo. Fue muy importante para mí porque eso quería decir que sabía dibujar y que lo que hacía podía tener algún valor. Fue así de simple.

Mi padre no se ocupaba mucho de la reparación de los tapices, sino de encontrar tapices para reparar. Mi madre y mi padre se complementaban, eran totalmente diferentes. Tenían diferentes talentos y cada uno apreciaba el talento del otro. Mi padre me dijo: “No puedes trabajar con nosotros, eres una pesada, una ‘boca inútil’”, la bouche inutile de la que hablaba Simone de Beauvoir. Debe ser por eso que me hice feminista.

Los tapices siempre estaban dañados en la parte inferior. Se usaban como paredes móviles en habitaciones que no estaban muy limpias, y se gastaban sobre todo en el borde inferior, que a veces se destruía por completo. De ahí que a las figuras por lo general les faltaran los pies. Dibujé el primer pie a pedido de mi madre y luego me volví una experta en pies. Y eso es así hasta hoy, dibujo muchísimos pies. Me sentía muy satisfecha con los pies que dibujaba para mi madre. Era una gran victoria. Y eso también me enseñó que el arte es interesante y puede ser muy útil, algo que hoy ya no se aprecia. El arte puede reparar. Eso me daba mucho placer. A todo el mundo, los pies que yo reparaba les parecían maravillosos. A mí no, pero a los demás sí. Así fue cómo me hice artista."

 ***

"Tomemos un ejemplo. The Destruction of the Father (La destrucción del padre) trata del miedo, el miedo normal, común y corriente, el miedo real y físico que sigo sintiendo. Lo que me interesa es la capacidad de dominar el miedo, ocultarlo, huir de él, enfrentarlo, exorcizarlo, avergonzarse de él y finalmente, tener miedo a tener miedo. Ese es el tema.

No soy una experta, pero sé lo que es el miedo; sé lo que el miedo nos puede llevar a hacer. ¿Qué podemos hacer con el miedo, el miedo común y corriente?  ¿Escaparnos? Hay una larga lista de cosas que podemos hacer. Las personas inmaduras creen que pueden conquistar el miedo- aunque en realidad no lo conquistan, sólo creen que lo hacen desaparecer- enamorándose. ¿No es así? Uno se engaña, simula estar enamorado para no sentir la punzada del miedo. Nos “enamoramos” de alguien a quien tememos, provocamos un cortocircuito con el miedo y entonces no lo sentimos. Pensemos en la serpiente y el pájaro: el pájaro se siente cautivado, ¿no es así? Es exactamente lo mismo. El pájaro se siente atraído, no sufre, no siente miedo, de hecho está como hipnotizado, y la serpiente acaba enguyéndoselo. Es así. Sólo puedo pensar por medio de imágenes. Ese es mi problema. Pero la diferencia con el verdadero amor es que no se llega al sexo, no hay verdadero deseo. Creo que la prueba de que se está enamorado –del amor verdadero- es el deseo de dar.

Pero no se puede “amar” a todo el mundo para ocultar el miedo, resulta muy agotador e improductivo. Así nunca creceremos, pasando de un enamoramiento pasajero a otro para no sentir miedo, creyendo que hemos conquistado algo cuando en realidad no hemos conquistado nada. Los años pasan y no habremos conocido la experiencia verdadera del amor –porque por lo general esa experiencia del amor no se materializa- y habremos perdido el tiempo. Y esa pérdida de tiempo se expresa en ira, porque sentimos que no hemos vivido, que la vida ha pasado en vano. De eso habla The Destruction of the Father.

Claro que hay negación de ese temor, y yo niego esa negación.  Me burlo de eso en mi arte; me burlo del inconsciente. Hubo miedos terribles que no pude enfrentar. Todavía los tengo. Y me avergüenzo de mi temor"

***

"En términos estilísticos, en el origen, en el fondo de todo, están los extraordinarios tapices con los que crecí. Viví con ellos desde que nací. Sobre todo con sus historias. Cuento las mismas historias que contaban aquellos tapices, pero con otros medios. Por ejemplo, la historia de Píramo y Tisbe. Es una de mis historias favoritas"

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"El arte surge de la vida. El arte surge de las dificultades que enfrentamos cuando queremos seducir a los pájaros, a los seres humanos, a las serpientes o a quien sea. Como en una tragedia de Corneille, donde todos persiguen a todos. A ti te gusta A, y a A le gusta D, y a D le gusta C y así. Como hija de Voltaire, educada en el racionalismo del siglo diecinueve, creo que con el debido empeño, el mundo mejorará. Si trabajo como un perro en todos estos… artefactos, conseguiré el pájaro que quiero.

DK: ¿Y eso sucede alguna vez?

No muy a menudo. El resultado final es bastante desalentador. Es por eso, precisamente, que sigo insistiendo. La resolución nunca llega, es como un espejismo. Nunca me siento totalmente satisfecha. Si lo estuviera, dejaría de trabajar y sería muy feliz. No hay resolución posible, pero uno se siente bien con uno mismo porque ha hecho todo lo que podía, en la medida de su eficiencia. Uno comprendió el problema y la comprensión de un problema es un objetivo válido. Mucha gente se contenta con el simple coleccionismo –coleccionan objetos, mujeres en el caso de los hombres- una actividad menor comparada con la comprensión. Hay muchísimos artistas, por supuesto, pero la mayoría son muy poco interesantes, porque la expresión personal no puede ser un fin en sí mismo o, mejor dicho, la expresión personal puede ser un fin en sí mismo pero no es interesante. Millones de personas toman el desayuno por la mañana pero es muy difícil lograr que el desayuno sea interesante, desde un punto de vista objetivo.

Trabajo muy duro y sin embargo nunca -¡nunca!- consigo que la gente entienda lo que quiero decir. Quiero que entiendan que la tenacidad es una virtud y un fin en sí mismo. Más aún, deberían entender que quiero equiparar el sexo al asesinato, el sexo a la muerte. Pero nunca entenderán el problema de esta ecuación. Debería ser menos dura conmigo misma. No debería seguir persiguiendo el misterio, pero el misterio está siempre ahí y sigo aspirando a resolverlo.

DK: ¿Se refiere a la relación entre el sexo y la muerte?

¿Porqué no puedo confiar en el sexo como algo bueno? ¿Porqué le tengo miedo? ¿Porqué el miedo acaba con la excitación y acerca el sexo a la muerte? He ahí el misterio. Llega un punto en que no sabemos si es placentero o repulsivo. Tampoco sabemos si la muerte es placentera o repulsiva."

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"En realidad no hace falta tener hijos. Dios sabe que el mundo no necesita más niños"

DK: Pero la familia es muy importante en su obra. ¿Cómo afectó su obra la maternidad? ¿Trabajaba cuando tuvo a sus hijos?

Sí, naturalmente. Pensaba que no merecía a los niños, que eran un privilegio. Y también que el arte era un privilegio. El arte es un privilegio, una bendición, un alivio. Privilegio significa que has sido favorecido, que lo que haces no te corresponde del todo, no se debe sólo a ti, sino que es una especie de favor que te ha sido concedido. El privilegio te otorga ciertos derechos cuando en realidad no los mereces, te concede algo que los demás no poseen. El arte es un privilegio que me fue concedido y tuve que ejercerlo y estar a la altura, más todavía que con el privilegio de tener hijos. Todo el funcionamiento del arte descansa en una serie de privilegios, y ya es un privilegio ser parte de ese mecanismo.

DK: ¿Entonces, siguió haciendo arte para dar prueba de ese privilegio, para estar a la altura?

Absolutamente. El privilegio era el acceso al inconsciente. Tener acceso al inconsciente es un gran privilegio. Sentía entonces que debía merecer ese privilegio, y ejercerlo. Tener la posibilidad de sublimar a través del arte era un privilegio. Hay que aprender a sublimar. No todos pueden porque no tienen acceso al inconsciente. Esa posibilidad es algo muy especial y también algo muy doloroso. Pero no hay posibilidad de escape una vez que ese acceso te ha sido concedido, una vez que has sido favorecido con esa facultad más allá de tu voluntad."

***

"Mi feminismo se expresa mediante un profundo interés en lo que hacen las mujeres. Pero soy una persona muy solitaria. Reunirme con otra gente no me ayuda; no me ayuda en lo más mínimo. Lo que verdaderamente me ayuda es reconocer mis propias incapacidades y exponerlas. Otra conclusión muy triste a la que he llegado es que sólo me gusta la gente que me ayuda. Es una conclusión realmente triste.

DK: ¿Pero no cree que hay un prejuicio particular con las artistas mujeres?

No. Hay muchas artistas que han sido ignoradas. Ese es el problema. Ser ignorado no es lo mismo que ser discriminado. No creo que se haya discriminado a muchas artistas, pero sí que se las ha ignorado. En parte eso es así porque el hombre se comporta como un lobo frente el resto de los seres humanos, el hombre puede ser un lobo para el resto de los seres humanos.

DK: ¿Entonces no cree que ha sido discriminada por ser mujer?

No, no lo creo. Pienso que he sido completamente ignorada, un destino que comparto con otras. Pero no es culpa de nadie. Es esa la condición del mundo.

DK: ¿No cree que eso está relacionado al funcionamiento del campo artístico? ¿Por qué habría sido ignorada si no es por el sistema artístico?

Fui ignorada porque nadie exponía mi obra en ese momento. Es parte de la indiferencia del sistema, pero eso es así en cualquier sistema, que favorece sólo a unos pocos. Ahí está mi obra, a pesar de todo.

DK: Pero insisto, ¿por qué cree que nadie exponía su obra?

Eso tiene que ver con el éxito. Nada tiene más éxito que el éxito, como suele decirse. A menos que uno acceda a eso que se llama éxito, simplemente no existe. La gente no te hace daño, al menos deliberadamente, si tienes éxito, pero te ignoran si no es así. No siempre queda muy claro en qué consiste el éxito, pero cada cual sabe si lo ha alcanzado. Si tienes éxito, tendrás amigos maravillosos y todo estará muy bien, pero nada habrá cambiado"

***

"La historia del arte no me interesa, ni tampoco los estilos académicos que no son más que una sucesión de modas pasajeras. El arte no trata sobre el arte, sino sobre la vida, y en eso consiste todo. Digo esto a propósito de toda la academia de artistas que han intentado vincular el arte de finales de los ochenta al estudio de la historia del arte: eso no tiene nada que ver con el arte, sino con la apropiación, con el intento de demostrar que puedes hacerlo mejor que el próximo, y que un historiador del arte es mejor que un artista común..."

***

"El sentido del arte moderno es seguir buscando nuevos modos de expresión para el artista y sus problemas, sabiendo que no existen caminos ni acercamientos preestablecidos. Se trata de una situación bastante dolorosa y el arte moderno consiste precisamente en enfrentarse a la situación dolorosa de que no hay caminos establecidos para la expresión del artista. Es por eso que el arte moderno sigue existiendo, porque eso sigue siendo así, porque es así la condición humana.

DK: ¿Cree que el arte moderno tiene una relación especial con la dificultad dolorosa para expresarse que enfrenta el artista en el mundo moderno?

Definitivamente. El arte moderno trata sobre el dolor de no poder expresarnos adecuadamente, expresar las relaciones íntimas, el inconsciente, no poder confiar en el mundo para expresarnos más directamente. El arte moderno habla del intento de conservar la cordura frente a esta situación, al menos tentativa y temporariamente, mediante la expresión. El arte surge de nuestros fracasos y de nuestras necesidades más acuciantes, de la dificultad de ser nosotros mismos cuando no nos prestan atención. La sensación de abandono, de desatención abunda en el mundo moderno, y también la necesidad de reconocimiento no satisfecha. El arte es una forma de auto reconocimiento y es por eso que siempre será moderno"

  Louise Bourgeois, En una entrevista a Donald Kuspit

Louise Bourgeois: Diario

Siempre fui consciente de la
posibilidad de que el silencio cayera
como la tapa de una tumba y me engullera
para siempre.
            El silencio invadió la habitación
y yo tenía miedo de oír latir
mi corazón. era un peligro que venía de adentro
y que sólo una incesante marea de
palabras podía repeler si no
dominar.
escuchar el caos, una cascada.
las esclusas del Marne – Beethoven
un río que arrastra
piedras y árboles

El trueno que pasa
rodando.

  Louise Bourgeois, Escritos (1953)

"Me llamo Louise Josephine Bourgeois. Nací el 24 de diciembre de 1911. Toda mi obra de los últimos cincuenta años y todos mis temas se inspiran en mi niñez. Mi niñez nunca ha perdido su magia, nunca ha perdido su misterio y nunca ha perdido su drama" 

- Louise Bourgeois, Destruction of the Father / Reconstruction of the Father. Writings and Interviews, 1923–1997